Gerhard Richter

Gerhard Richter – Abstract Schilderij 809-1. Dit werk, gemaakt in 1994, is een van Richters meest bekende abstracte schilderijen. “Abstraktes Bild (809-1)” vertegenwoordigt het vermogen van de kunstenaar om kleuren en texturen te mengen, waardoor een rijke en visueel prikkelende compositie ontstaat. Het werk is een prominent voorbeeld van Richters benadering van abstractie en zijn “schraaptechniek”, waarbij hij een paletmes of schraper gebruikt om lagen verf aan te brengen en te verwijderen, waardoor opvallende en unieke effecten ontstaan. Deze Duitse schilder wordt erkend om zijn vermogen om in verschillende genres en technieken te werken, van realisme tot abstractie. Zijn werken worden beschouwd als een reflectie van geheugen en geschiedenis. Hoewel zijn carrière begon in de 20e eeuw, is zijn impact en invloed sterk en relevant gebleven in de 21e eeuw. Zijn werken bestrijken een breed scala aan stijlen en technieken, van fotorealisme tot abstractie, wat zijn veelzijdigheid en creatieve capaciteit aantoont. Richter staat bekend om zijn vermogen om elementen van figuratieve en abstracte kunst te vermengen, waardoor hij de grenzen van de schilderkunst kan verkennen en bevragen. Zijn unieke benadering van het experimenteren met technieken en materialen, zoals het gebruik van spatels en schrapen, heeft een grote invloed gehad op de hedendaagse kunst. Bovendien maakt zijn vermogen om politieke, historische en sociale kwesties in zijn werk aan te kaarten hem tot een referentiepunt in de kunstwereld. Een van zijn kenmerkende stijlen is “fotografische schilderkunst”, waarbij hij foto’s als basis voor zijn werken gebruikt, ze manipuleert door vervagingen, vervormingen en overlappingen. Deze stijl is een krachtig instrument geweest voor het verkennen van thema’s als geheugen, perceptie en de relatie tussen realiteit en representatie in de kunst. Wat betreft zijn invloed hebben veel moderne kunstenaars elementen van Richters werk overgenomen en aangepast, wat zijn blijvende impact op de kunstwereld aantoont. Zijn nalatenschap is te zien in de generaties kunstenaars die in zijn voetsporen zijn getreden, nieuwe manieren verkennen om de schilderkunst te benaderen en de grenzen van creativiteit te verleggen. Hoewel Gerhard Richter al een gevestigde en ouder wordende kunstenaar is, is het waarschijnlijk dat hij nog vele jaren een referentiepunt zal blijven in de kunstwereld. Zijn werken zullen blijven worden bestudeerd, geïnspireerd en bewonderd, en we kunnen retrospectieve tentoonstellingen en nieuw onderzoek verwachten die zijn nalatenschap en de verbindingen tussen zijn verschillende stadia en artistieke stijlen zullen verkennen. Richter heeft een onuitwisbare indruk achtergelaten in de geschiedenis van de hedendaagse kunst, en zijn invloed zal nog vele jaren na zijn eigen leven en carrière voortduren.

Gerhard Richter – Betty 

Dit werk is een portret van Richters tienerdochter, Betty. In het schilderij wordt Betty getoond terwijl ze over haar schouder kijkt, in een peinzende en raadselachtige houding. Richters techniek in “Betty” combineert elementen van fotorealisme en abstracte schilderkunst, met nauwkeurige details in het figuur van Betty, gecombineerd met vage en onscherpe gebieden op de achtergrond. Dit werk is een uitstekend voorbeeld van Richters vermogen om de spanning tussen representatie en abstractie in zijn werk te verkennen.

Peter Doig

Peter Doig – White Canoe. Dit schilderij toont een eenzame kano die drijft op een rustig meer, omringd door groen en reflecties in het water. “White Canoe” is een toonaangevend voorbeeld van Doigs vermogen om sfeer en mysterie vast te leggen in zijn landschapsschilderijen. Het werk combineert elementen van de natuur met verwijzingen naar popcultuur en cinema, waardoor een raadselachtig en suggestief landschap ontstaat dat iconisch is geworden in het werk van Doig.

Deze in Schotland geboren maar in Canada opgegroeide schilder is geprezen om zijn vermogen om suggestieve en mysterieuze beelden te creëren door middel van verf, vaak puttend uit landschappen en scènes uit het dagelijks leven, geheugen en verbeelding. Doig staat bekend om zijn vermogen om elementen van het landschap te combineren met een droomachtige en mysterieuze sfeer, waardoor suggestieve composities met grote visuele kracht ontstaan. Zijn schilderijen, vaak gebaseerd op foto’s, film en persoonlijke herinneringen, bevatten een rijk kleurenpalet en gedetailleerde techniek die de kijker meeneemt naar denkbeeldige en atmosferische werelden. Doig daagt de conventies van traditioneel landschapsschilderen uit, waarbij hij de relatie tussen mens en natuur en de psychologische en emotionele kwaliteiten van de omgeving die ons omringt, verkent.

Peter Doigs invloed op de kunstwereld is significant, omdat hij interesse in schilderen wist te revitaliseren op een moment dat andere media en hedendaagse kunstvormen het dreigden te overvleugelen. Bovendien heeft zijn focus op narratief en sfeer in zijn werken talloze moderne kunstenaars geïnspireerd om te experimenteren met vergelijkbare technieken en nieuwe vormen van representatie te verkennen. Doig heeft een uitzonderlijk vermogen getoond om ogenschijnlijk tegenstrijdige elementen in zijn werken te combineren, waardoor hij een onderscheidende en herkenbare stijl heeft gecreëerd. Zijn artistieke proces omvat vaak het hergebruik en de herinterpretatie van beelden en verwijzingen, waardoor hij zich gedurende zijn carrière kan ontwikkelen en experimenteren.

The post De Belangrijkste Schilders van de 21e Eeuw appeared first on N-Sy Brandy.

Een waardevolle bron die je kan helpen bij het schrijven van je scriptie over schilderkunst is https://cescriptielatenschrijven.nl/, een platform dat gespecialiseerd is in academisch schrijven en onderzoeksondersteuning. Dit platform biedt nuttige tips, richtlijnen en voorbeelden die je kunnen inspireren en begeleiden bij het schrijven van je scriptie.

Definieer je onderzoeksvraag

Het formuleren van een scherpe, gerichte onderzoeksvraag vormt de kern van je scriptie over schilderkunst. Je onderzoeksvraag bepaalt de koers van je onderzoek en gidst je door het proces van verzamelen, analyseren en interpreteren van gegevens. Hier zijn enkele belangrijke aspecten om in gedachten te houden bij het definiëren van je onderzoeksvraag:

1. Specifiek en helder: Zorg ervoor dat je onderzoeksvraag duidelijk en concreet is geformuleerd. Vermijd vage termen en focus op een specifiek aspect van schilderkunst waarover je meer wilt weten.
2. Relevantie: Stel jezelf de vraag waarom je onderzoeksvraag belangrijk is binnen het bredere kader van schilderkunst. Welke bijdrage levert jouw onderzoek aan het begrip van het onderwerp?
3. Haalbaarheid: Beoordeel of je onderzoeksvraag haalbaar is binnen de beschikbare tijd en middelen. Overweeg de beschikbaarheid van bronnen en de praktische aspecten van je onderzoek.
4. Origineel perspectief: Probeer een uniek en origineel perspectief te vinden voor je onderzoeksvraag. Zoek naar lacunes in bestaand onderzoek of interessante invalshoeken die nog niet grondig zijn onderzocht.

Door zorgvuldig aandacht te besteden aan het definiëren van je onderzoeksvraag leg je een stevig fundament voor je scriptie over schilderkunst en creëer je een boeiende en relevante bijdrage aan het vakgebied.

Verzamel bronnen en literatuur

Het verzamelen van bronnen en literatuur vormt de ruggengraat van je scriptie over schilderkunst. Door een breed scala aan academische bronnen en kunstwerken te raadplegen, krijg je een dieper inzicht in je onderwerp en ondersteun je je argumenten met solide bewijsmateriaal. Hier zijn enkele belangrijke aspecten om in gedachten te houden bij het verzamelen van bronnen en literatuur:

• Diversiteit van bronnen: Strek je zoektocht uit naar een verscheidenheid aan bronnen, waaronder boeken, academische artikelen, tentoonstellingscatalogi, kunsttijdschriften en online databases. Door verschillende soorten bronnen te raadplegen, krijg je een breder perspectief op je onderwerp.
• Betrouwbaarheid: Zorg ervoor dat de bronnen die je selecteert betrouwbaar en van goede kwaliteit zijn. Raadpleeg gerenommeerde uitgevers, peer-reviewed tijdschriften en erkende experts in het veld om de geloofwaardigheid van je bronnen te waarborgen.
• Relevantie: Selecteer bronnen die direct relevant zijn voor je onderzoeksvraag en thema’s. Let op de publicatiedatum van bronnen om ervoor te zorgen dat je de meest actuele en relevante informatie gebruikt in je scriptie.
• Kritische evaluatie: Wees kritisch bij het beoordelen van de kwaliteit en relevantie van bronnen. Beoordeel de methodologie, argumentatie en geloofwaardigheid van de auteurs om te bepalen of de bron bijdraagt aan je onderzoek.
• Organisatie en documentatie: Houd nauwkeurige en gedetailleerde aantekeningen bij van alle verzamelde bronnen, inclusief volledige bibliografische informatie. Gebruik bibliografische software of een consistent systeem om je bronnen te organiseren en gemakkelijk te kunnen verwijzen in je scriptie.

Door zorgvuldig bronnen en literatuur te verzamelen en te evalueren, bouw je een solide basis van informatie op voor je scriptie over schilderkunst en versterk je de geloofwaardigheid en diepgang van je onderzoek.

Analyseer en interpreteer kunstwerken

Het analyseren en interpreteren van kunstwerken is een cruciaal aspect van het schrijven van een scriptie over schilderkunst. Dit proces stelt je in staat om dieper in te gaan op de visuele aspecten, symboliek en context van de kunstwerken die je bestudeert. Hier zijn enkele belangrijke overwegingen om in gedachten te houden bij het analyseren en interpreteren van kunstwerken:

Allereerst is het essentieel om aandacht te besteden aan de formele elementen van het kunstwerk, zoals compositie, kleurgebruik, penseelstreken en textuur. Deze elementen dragen bij aan de esthetische kwaliteit van het werk en kunnen inzicht verschaffen in de artistieke technieken en intenties van de kunstenaar.

Daarnaast is het belangrijk om de symboliek en betekenis van het kunstwerk te onderzoeken. Welke thema’s, emoties of ideeën worden uitgedrukt? Zijn er verborgen boodschappen of verwijzingen naar historische gebeurtenissen, culturele tradities of persoonlijke ervaringen van de kunstenaar?

Een diepgaande analyse omvat ook het onderzoeken van de historische en culturele context waarin het kunstwerk is gemaakt. Hoe heeft de tijdperiode, de plaats van herkomst en de sociale omstandigheden invloed gehad op de totstandkoming en receptie van het werk? Door het kunstwerk te plaatsen binnen zijn bredere historische en culturele context, kun je een beter begrip krijgen van zijn betekenis en impact.

Bovendien is het waardevol om verschillende interpretaties van het kunstwerk te overwegen en te vergelijken. Hoe hebben verschillende critici, kunsthistorici of kunstenaars het werk geïnterpreteerd en geanalyseerd? Door diverse perspectieven te onderzoeken, kun je je eigen interpretatie verrijken en verfijnen.

Ten slotte is het belangrijk om je persoonlijke reactie op het kunstwerk te overwegen en te integreren in je analyse. Welke emoties roept het werk bij je op? Welke aspecten spreken je het meest aan en waarom? Door je eigen subjectieve ervaring te combineren met objectieve analyse, kun je een dieper begrip en waardering ontwikkelen voor het kunstwerk en zijn betekenis binnen de bredere context van schilderkunst.

Schrijf je scriptie

Het schrijven van je scriptie vormt het hoogtepunt van je onderzoek naar schilderkunst en biedt de mogelijkheid om je bevindingen en inzichten te presenteren aan je lezers. Hier zijn enkele belangrijke overwegingen om in gedachten te houden bij het schrijven van je scriptie:

1. Structuur en organisatie: Begin met het opstellen van een heldere en logische structuur voor je scriptie. Dit omvat een inleiding waarin je je onderzoeksvraag introduceert en het doel van je scriptie uiteenzet, een betoog waarin je je argumenten presenteert en ondersteunt met bewijsmateriaal, en een conclusie waarin je je bevindingen samenvat en eventuele implicaties bespreekt.
2. Schrijfstijl: Kies een schrijfstijl die past bij het academische genre en je doelpubliek. Wees beknopt, helder en nauwkeurig in je formuleringen en vermijd vaagheid of overbodige complexiteit. Gebruik ook signaalwoorden en overgangszinnen om de samenhang tussen je paragrafen te versterken.
3. Bronvermelding: Vergeet niet om al je bronnen correct te citeren en te verwijzen volgens de vereiste academische conventies. Dit omvat zowel in-text citaten als een bibliografie of referentielijst aan het einde van je scriptie. Wees consistent in je bronvermelding en gebruik een erkende stijlgids, zoals de APA-stijl of de MLA-stijl.
4. Originaliteit: Zorg ervoor dat je scriptie een originele bijdrage levert aan het vakgebied door nieuwe inzichten, perspectieven of interpretaties te bieden. Vermijd plagiaat door altijd je bronnen te vermelden en je eigen ideeën duidelijk te onderscheiden van die van anderen.
5. Herziening en redactie: Neem de tijd om je scriptie grondig te herzien en te redigeren voordat je deze definitief indient. Controleer op grammaticale fouten, spelfouten en inconsistenties in je argumentatie. Vraag ook feedback aan collega’s, docenten of professionele redacteuren om de kwaliteit van je scriptie te verbeteren.

Door zorgvuldig aandacht te besteden aan deze aspecten van het schrijven, kun je een goed gestructureerde, overtuigende en hoogwaardige scriptie produceren die recht doet aan je onderzoek naar schilderkunst.

Conclusie

In dit artikel hebben we het proces van onderzoek doen voor je scriptie over schilderkunst verkend, van het formuleren van een scherpe onderzoeksvraag tot het uiteindelijke schrijven van je scriptie. We hebben besproken hoe het definiëren van een specifieke onderzoeksvraag, het verzamelen van diverse bronnen en het grondig analyseren van kunstwerken essentiële stappen zijn in dit proces.

Verder hebben we benadrukt hoe het gebruik van betrouwbare literatuur, het analyseren van kunstwerken binnen hun historische en culturele context, en het integreren van diverse perspectieven bijdragen aan een diepgaand en overtuigend onderzoek. Tot slot hebben we aandacht besteed aan het belang van een heldere structuur, correcte bronvermelding en zorgvuldige redactie bij het schrijven van je scriptie.

Met deze kennis en richtlijnen in gedachten, ben je goed uitgerust om een boeiende en academisch onderbouwde scriptie over schilderkunst te schrijven. Door het volgen van dit proces en het benutten van de beschikbare bronnen en hulpmiddelen, kun je een waardevolle bijdrage leveren aan het begrip en de waardering van dit rijke en diverse kunstveld. Succes met je onderzoek en schrijfproces!

The post Van penseel tot pen: Het proces van onderzoek doen voor je scriptie over schilderkunst appeared first on N-Sy Brandy.

Wat is visuele analyse?

Visuele analyse is als een reis door het landschap van een schilderij, waarbij elke penseelstreek en elke kleurkeuze een verhaal vertelt. Het is een methodologie die kunsthistorici en liefhebbers gebruiken om dieper in de betekenis en het vakmanschap van kunstwerken te duiken.

Wanneer we een schilderij bekijken, kijken we niet alleen naar het oppervlak; we duiken in de diepten van de kunstenaarsziel, verkennen de nuances van hun techniek en voelen de resonantie van hun boodschap. Visuele analyse begint met het observeren van de visuele elementen van een kunstwerk: de compositie, kleuren, vormen, lijnen en texturen. Maar het gaat verder dan dat. Het draait allemaal om het stellen van vragen, om het begrijpen van de keuzes die de kunstenaar heeft gemaakt en de impact die deze keuzes hebben op de kijker.

Neem bijvoorbeeld de compositie. Door de manier waarop objecten en figuren in een schilderij zijn gerangschikt, kan de kunstenaar de kijker leiden en de nadruk leggen op bepaalde aspecten van het werk. Is er een centraal punt waar het oog naartoe wordt getrokken? Zijn er subtiele lijnen die de kijker door het beeld leiden? Deze vragen helpen ons de intentie achter de compositie te begrijpen en hoe deze bijdraagt aan de algehele impact van het werk.

Kleur is een ander krachtig instrument dat kunstenaars gebruiken om emotie en betekenis over te brengen. Elke kleur heeft zijn eigen symboliek en kan verschillende gevoelens oproepen bij de kijker. Door de kleurkeuzes van de kunstenaar te analyseren, kunnen we dieper ingaan op de thema’s en boodschappen die in het werk worden gecommuniceerd. Is het kleurenpalet levendig en uitbundig, of juist ingetogen en somber? Wat zegt dit over de stemming of het onderwerp van het schilderij?

Visuele analyse nodigt ons uit om voorbij het oppervlak te kijken en de verborgen lagen van betekenis te ontdekken die in kunstwerken zijn ingebed. Het stelt ons in staat om een dialoog aan te gaan met de kunstenaar en de rijke verhalen te verkennen die in elk penseelstreekje verborgen liggen. En misschien nog belangrijker, het stelt ons in staat om onze eigen interpretaties te vormen en onze eigen emotionele reacties te ontdekken terwijl we ons onderdompelen in de wereld van de kunst.

Waarom is visuele analyse belangrijk in scripties over schilderkunst?

In de wereld van kunstgeschiedenis is visuele analyse de sleutel tot het ontgrendelen van de mysteries van schilderijen. Het is als het decoderen van een geheime boodschap, waarbij elke penseelstreek en elke kleurkeuze een deel van het verhaal vertelt. Maar waarom is deze analytische benadering zo belangrijk, vooral in de context van scripties over schilderkunst?

Ten eerste stelt visuele analyse studenten in staat om dieper in te gaan op de technische aspecten van schilderkunst. Door te kijken naar de penseelvoering, de gebruikte materialen en de technieken die de kunstenaar heeft toegepast, kunnen studenten inzicht krijgen in het vakmanschap achter het werk. Dit stelt hen in staat om te begrijpen hoe bepaalde effecten zijn bereikt en hoe deze bijdragen aan de algehele esthetiek van het schilderij.

Daarnaast biedt visuele analyse een venster naar de artistieke intentie achter een schilderij. Door te kijken naar de compositie, kleurkeuzes en symboliek, kunnen studenten de boodschap ontrafelen die de kunstenaar probeerde over te brengen. Dit opent de deur naar een dieper begrip van de thema’s, emoties en ideeën die in het werk zijn vervat.

Bovendien stelt visuele analyse studenten in staat om de historische en culturele context van een schilderij te verkennen. Door te kijken naar de stijlkenmerken en iconografie, kunnen studenten het werk plaatsen binnen een bredere artistieke traditie en historische periode. Dit helpt hen om de invloeden en betekenis van het werk beter te begrijpen in relatie tot de tijd waarin het is gemaakt.

Maar misschien wel het belangrijkste is dat visuele analyse studenten in staat stelt om kritisch te denken en hun eigen interpretaties te vormen. Door te leren hoe ze een schilderij kunnen analyseren en interpreteren, ontwikkelen studenten vaardigheden die hen helpen bij het formuleren van overtuigende argumenten en het presenteren van hun ideeën in hun scripties.

Kortom, visuele analyse is niet alleen een analytisch gereedschap; het is een venster naar de rijke wereld van de schilderkunst. Het stelt studenten in staat om de diepten van kunstwerken te verkennen en een dieper begrip en waardering voor de kunstgeschiedenis te ontwikkelen.

Praktische toepassingen van visuele analyse in scripties

Visuele analyse biedt studenten diepgaande inzichten en praktische toepassingen bij het schrijven van scripties over schilderkunst. Hier zijn enkele specifieke manieren waarop visuele analyse kan worden toegepast in academisch onderzoek:

1. Identificatie van stijlkenmerken: Door visuele analyse kunnen studenten de unieke stilistische kenmerken van een kunstenaar of kunststroming identificeren. Ze kunnen nuances in kleurgebruik, penseelvoering en compositie bestuderen om een gedegen begrip te krijgen van de esthetische kenmerken die het werk definiëren.
2. Onderscheid maken tussen origineel en kopie: Visuele analyse kan studenten helpen bij het bepalen van de authenticiteit van een schilderij door details zoals penseelstreken, verfsoorten en verouderingstechnieken te bestuderen. Dit is van cruciaal belang bij het onderzoeken van kunstwerken waarvan de herkomst twijfelachtig is.
3. Onderzoek naar artistieke ontwikkeling: Door het analyseren van het oeuvre van een kunstenaar kunnen studenten de evolutie van hun stijl en techniek in de loop van de tijd begrijpen. Visuele analyse stelt hen in staat om veranderingen en consistente elementen in het werk van een kunstenaar te identificeren en te interpreteren.
4. Contextualisering binnen kunsthistorische bewegingen: Studenten kunnen visuele analyse gebruiken om een kunstwerk te plaatsen binnen de bredere context van kunsthistorische bewegingen en perioden. Door stilistische overeenkomsten en verschillen te onderzoeken, kunnen ze conclusies trekken over invloeden, reacties op contemporaine gebeurtenissen en artistieke trends.
5. Ontdekken van symboliek en thematiek: Visuele analyse stelt studenten in staat om verborgen symboliek en thematiek in een kunstwerk te ontdekken. Door zorgvuldig te kijken naar details zoals objecten, figuren en achtergronden, kunnen ze de diepere betekenis en boodschappen ontrafelen die de kunstenaar probeerde over te brengen.

Kortom, visuele analyse is een krachtig instrument dat studenten in staat stelt om kunstwerken op een dieper niveau te begrijpen en te interpreteren. Door deze methode toe te passen in hun scripties, kunnen ze overtuigende argumenten ontwikkelen en nieuwe inzichten bieden in de complexiteit van schilderkunst.

Conclusie

Visuele analyse is een essentieel instrument voor studenten die zich bezighouden met scripties over schilderkunst. Door de visuele aspecten van kunstwerken te bestuderen en te interpreteren, kunnen zij dieper ingaan op de betekenis en context achter de schilderijen. Het integreren van visuele analyse in scripties stelt studenten in staat om hun onderzoek naar schilderkunst te verrijken en een grondiger begrip van kunstgeschiedenis te ontwikkelen.

The post Het belang van visuele analyse in scripties over schilderkunst appeared first on N-Sy Brandy.

De Therapeutische Kracht van Creativiteit

Ambachtelijk werken biedt een uniek platform voor zelfexpressie. Of het nu gaat om schilderen, breien, houtbewerking of enige andere creatieve bezigheid, individuen kunnen hun emoties, gedachten en ervaringen in hun ambacht kanaliseren. Dit biedt mensen de mogelijkheid om gevoelens te verwerken en te communiceren zonder woorden, wat verlichting en bevrijding biedt van opgekropte emoties.

Deelnemen aan creatieve projecten activeert het beloningscentrum in de hersenen, waardoor dopamine vrijkomt, een neurotransmitter die geassocieerd wordt met plezier en positieve emoties. Deze neurochemische reactie helpt stress- en angstniveaus te verminderen. Bovendien omvatten creatieve activiteiten vaak repetitieve en ritmische bewegingen vergelijkbaar met mindfulness-technieken die de geest kalmeren en ontspanning bevorderen.

Resilientie opbouwen en copingvaardigheden ontwikkelen

Ambachtelijk werken vereist vaak probleemoplossend denken en innovatie. Wanneer men geconfronteerd wordt met een uitdaging in een project, moeten ze kritisch denken om oplossingen te vinden. Deze cognitieve vaardigheden kunnen vertaald worden naar betere strategieën om met de grote en kleine uitdagingen in het leven om te gaan.

Het voltooien van een creatief project geeft een gevoel van voldoening en trots. Dit gevoel van prestatie kan het zelfvertrouwen vergroten. Weten dat je iets moois of nuttigs hebt gecreëerd, kan je herinneren aan je capaciteiten en veerkracht.

Sociale Connectie en Ondersteuning

Deelnemen aan ambachtelijke activiteiten leidt vaak tot het vormen van gemeenschappen en sociale groepen. Of je nu lid wordt van een breiclub, een kunstklas bijwoont of deelneemt aan online ambachtelijke forums, deze verbindingen kunnen gevoelens van isolatie bestrijden en een stevig ondersteuningssysteem bieden.

Ambachtelijk bezig zijn kan ook een geweldige manier zijn om een band te smeden met familie en vrienden. Samen knutselen bevordert verbinding, stimuleert teamwork en creëert blijvende herinneringen. Het is een prachtige manier om quality time door te brengen met dierbaren terwijl je bezig bent met een betekenisvolle activiteit.

Aandachtigheid en Bewustzijn van het Heden

Ambachtelijk werk gaat verder dan alleen het creëren van kunst of objecten; het kan een toegangspoort zijn tot mindfulness en bewustzijn van het heden, wat een diepere verbinding met je innerlijke zelf en de wereld om je heen kan bevorderen.

Ambachtelijk werk vereist concentratie en aandacht voor detail. Of je nu kleuren kiest voor een schilderij, ingrediënten zorgvuldig afmeet voor een DIY-project of een mand ingewikkeld weeft, ambachtelijk werken moedigt je aan om volledig aanwezig te zijn in het moment. Deze mindfulness kan je helpen om los te komen van piekeren over het verleden of je zorgen maken over de toekomst.

Psychologen verwijzen vaak naar de staat van “flow” als een optimale ervaring waarin de tijd lijkt stil te staan en mensen volledig opgaan in een activiteit. Ambachtelijk werk kan deze flow teweegbrengen, wat een pauze biedt van de dagelijkse stressoren en mentale helderheid bevordert. Flow-ervaringen geven endorfines vrij, natuurlijke pijnstillers en stemmingsverbeteraars, die stress en angst kunnen verminderen. De diepe focus op je ambacht leidt je geest af van zorgen en stelt je in staat om vrede te vinden in het heden.

Je Ambacht Vinden

Ambachtelijk werk is ongelooflijk divers en biedt talloze media en technieken om te verkennen. Of je nu schildert, potten bakt, sieraden maakt of zelfs zelf huisverbeteringsprojecten uitvoert, er is een ambacht voor iedereen. Experimenteer met verschillende ambachten om te ontdekken wat het meest bij je past.

Als je nieuw bent in het ambachtelijk werken, wees dan niet geïntimideerd. Begin met eenvoudige projecten en bouw geleidelijk aan je vaardigheden. Talloze tutorials en hulpbronnen zijn online en in lokale gemeenschappen beschikbaar om je op weg te helpen. Onthoud dat de reis van ambachtelijk werken net zo belangrijk is als het eindproduct. Zoals elke vaardigheid, verbetert ambachtelijk werk met oefening. Besteed regelmatig tijd aan je gekozen ambacht en laat je niet ontmoedigen door aanvankelijke onvolkomenheden. Elk project is een kans om te leren en te groeien.

Conclusie

Ambachtelijk werken met een doel kan een transformerende ervaring zijn voor de mentale gezondheid. Het biedt een creatieve uitlaatklep voor zelfexpressie, verbetert probleemoplossende vaardigheden, bouwt veerkracht op en bevordert sociale verbindingen. Bovendien bieden de mindfulness en aanwezigheid die vereist zijn in ambachtelijk werk een krachtig instrument om stress en angst te verminderen.

Als je manieren zoekt om je mentale welzijn te verbeteren of een nieuwe hobby wilt proberen, overweeg dan om ambachtelijk te werken. Of je nu alleen bezig bent of met dierbaren, de voordelen reiken verder dan het voltooide project. Ambachtelijk werken met een doel kan een betekenisvol en therapeutisch onderdeel van je leven worden.

Neem ambachtelijk werk op in je routine en zie de positieve invloed ervan op je mentale gezondheid. Omarm de vreugde van het creëren en laat je ambacht een bron van heling en zelfontdekking zijn.

The post Ambachtelijk Werken met een Doel appeared first on N-Sy Brandy.

De Digitale Renaissance

De reis van een leeg doek naar een afgewerkt kunstwerk is niet langer beperkt tot fysieke materialen zoals canvas, verf en penselen. Met de komst van digitale software hebben kunstenaars een brug gevonden tussen het traditionele en het eigentijdse. Deze krachtige fusie stelt hen in staat te putten uit de rijke geschiedenis van de kunst, terwijl ze de oneindige mogelijkheden omarmen die het digitale rijk biedt.

Een belangrijk voordeel van digitale tools is hun veelzijdigheid. Kunstenaars kunnen nu moeiteloos overschakelen tussen media, experimenteren met olieverf het ene moment en de textuur van aquarellen het volgende moment opnieuw creëren. Deze flexibiliteit biedt ongekende creatieve vrijheid en de verkenning van diverse artistieke stijlen.

Digitale software heeft ook precisie in de kunst gerevolutioneerd. Kunstenaars kunnen inzoomen om te werken aan complexe details met pixel-perfecte nauwkeurigheid, waardoor de beperkingen van traditionele materialen worden geëlimineerd. Deze nieuwe precisie is bijzonder gunstig voor kunstenaars die gespecialiseerd zijn in realisme en hyperrealisme, waarbij elk minuut detail telt.

Een dergelijke digitale innovatie die de aandacht heeft getrokken, zijn grafische tablets en stylussen. Deze apparaten bootsen de tactiele ervaring van traditioneel tekenen en schilderen na en bieden tegelijkertijd een scala aan digitale voordelen. Kunstenaars kunnen de grootte van de penseel, de dekking controleren en zelfs experimenteren met verschillende texturen, allemaal aan de punt van hun stylus.

Uitbreiding van Creatieve Horizonten

Digitale software biedt kunstenaars een uitgebreid palet aan kleuren dat verder reikt dan wat traditionele materialen kunnen bieden. Kunstenaars kunnen aangepaste kleurenpaletten maken, kleuren monsters nemen van bestaande kunstwerken of kleurafstemmingstools gebruiken om de gewenste tinten te bereiken. Dit niveau van controle en vrijheid heeft een nieuwe wereld van mogelijkheden geopend voor kunstenaars, waardoor ze hun visies met ongekende levendigheid kunnen uitdrukken.

Maar het gaat niet alleen om meer kleuren binnen handbereik hebben; het gaat ook om het gemak van experimenteren. In de digitale wereld kunnen kunstenaars onmiddellijk verschillende kleurencombinaties testen zonder fysieke materialen te verspillen. Dit moedigt exploratie en innovatie aan en duwt de grenzen van de traditionele kleurentheorie. Voor creatieve inspiratie en ontspanning raden we aan om de website https://playfortunefor.fun/games/roulette/ te bezoeken.

Bovendien is een van de grootste voordelen van digitale software de mogelijkheid om acties gemakkelijk ongedaan te maken en opnieuw uit te voeren. Fouten, ooit een bron van frustratie voor kunstenaars, kunnen nu moeiteloos worden gecorrigeerd. Deze functie vermindert de angst voor fouten en moedigt experimenten en durf in het creatieve proces aan.

De “ongedaan maken” functie is een creatief vangnet, waardoor kunstenaars gedurfde sprongen kunnen maken in onontgonnen gebieden. Of ze nu een nieuwe penseelstreektechniek proberen, ongebruikelijke kleurkeuzes verkennen of complexe composities proberen, kunstenaars kunnen vol vertrouwen onbekend artistiek terrein betreden, wetende dat ze kunnen terugkeren indien nodig. Deze vrijheid om risico’s te nemen heeft geleid tot volledig nieuwe artistieke stijlen en benaderingen die wellicht nooit in de traditionele kunst zouden zijn ontstaan.

Samenwerking

Digitale kunst overstijgt geografische grenzen en stelt kunstenaars in staat om wereldwijd samen te werken met hun collega’s. Deze wereldwijde connectiviteit heeft geleid tot online kunstgemeenschappen waar kunstenaars hun werk kunnen delen, feedback kunnen zoeken en van elkaar kunnen leren. Het is een getuigenis van de democratiserende kracht van technologie, aangezien kunstenaars exposure en erkenning krijgen, ongeacht hun fysieke locatie.

Kunstenaars kunnen in realtime samenwerken, digitale doeken delen met collega’s of zelfs kunst creëren in virtuele realiteitsruimtes. Deze samenwerkingservaringen verrijken het creatieve proces en bieden een gevoel van gemeenschap en gedeeld doel onder kunstenaars wereldwijd.

Toegankelijkheid voor Iedereen

Digitale kunstsoftware maakt kunst ook toegankelijker voor mensen met een handicap. Digitale tools bieden aanpasbare functies zoals spraakgestuurde commando’s, schermlezers en tastbare feedbackapparaten voor mensen die uitdagingen ondervinden met traditionele kunstmaterialen. Deze inclusiviteit stelt een breder scala aan individuen in staat om deel te nemen aan en te genieten van de wereld van kunst.

Bovendien kan digitale kunst gemakkelijk worden gedeeld in verschillende formaten, waardoor het toegankelijk is voor een wereldwijd publiek. Socialemediaplatforms en online galerijen stellen kunstenaars in staat om hun werk te presenteren, in contact te komen met fans en potentiële kopers, en zelfs digitale afdrukken te verkopen of licenties voor hun creaties. Dit opent nieuwe mogelijkheden voor kunstenaars om hun passie om te zetten in een levensvatbare carrière, ongeacht fysieke beperkingen.

Samenvattend heeft de integratie van digitale software in traditionele kunstprocessen een nieuw tijdperk van creativiteit en innovatie ingeluid. Kunstenaars beschikken nu over een uitgebreid scala aan tools en middelen waarmee ze de grenzen van hun ambacht kunnen verleggen.

Terwijl we de digitale renaissance in de kunst vieren, herinner je dan dat de schoonheid van artistieke expressie ligt in haar diversiteit. Of je nu een digitale stylus hanteert of een traditionele kwast, de kunstwereld verwelkomt jouw unieke perspectief. Om meer te ontdekken over de intersectie van kunst en technologie, bezoek deze website https://playfortunefor.fun.

Kunstenaars en kunstliefhebbers kunnen uitkijken naar een toekomst waarin creativiteit geen grenzen kent en het doek zich oneindig uitbreidt met behulp van digitale software.

The post Van Schets tot Scherm: Hoe Digitale Software Traditionele Kunst Transformeert appeared first on N-Sy Brandy.

Paul Gauguin begon als amateur in zijn vrije tijd te schilderen. Zijn mentor Gustave Arosa was een groot kenner van deze kunstvorm. Later ontmoette Gauguin Parijse schilders, de impressionist Pissarro werd zijn leermeester en Van Gogh deelde zijn opvattingen over kunst. Bij de symbolisten kreeg hij een bijzondere invloed, en sommige kunstenaars beschouwden hem als een mentor.

Verdrinken in armoede

De jonge Gauguin werkte als effectenmakelaar en verdiende goed, maar geleidelijk aan nam de creativiteit al zijn gedachten in beslag. Hij verloor zijn baan en zijn vrouw verhuisde naar zijn ouders in Kopenhagen. De artiest moest een baan krijgen als vertegenwoordiger en waterdichte stoffen verkopen. Hij haatte dit leven en verdronk in armoede.

De man die de beschaving achterliet

Gauguin bracht zijn jeugd door in Peru en beschouwde beschaving als een ziekte. De gedachte Europa te verlaten gaf hem nooit rust. In 1891 slaagde hij erin zijn plan te verwezenlijken: de kunstenaar stapte op een boot, die van Marseille naar de kust van Tahiti voer. Hij verliet zijn vrouw, zijn familie, zijn vrienden en zijn vaderland zonder spijt.

De kunstenaar

Hier is een citaat uit de strip: “Kunst eist opoffering! Je moet proberen en proberen, niet bang zijn om elke keer opnieuw te beginnen. We bereiken de hemel voor een moment, en dan moeten we er weer helemaal naar toe. Maar een idee dat even verschijnt, is sterker dan al het andere”. En een ander: “Mijn ideaal ligt op het oppervlak van het doek, niet in het echte leven. Gauguin had er vertrouwen in dat hij zou slagen in de kunst, en zijn talent zal zeker worden erkend.

Woest.

Voor weinig geld kocht Gauguin een hut in een dorp in Tahiti. Van de hemel was hij slechts gescheiden door een dun bladerdak. De kunstenaar zei: “Met de buren keken we nieuwsgierig naar elkaar. Ik was de wilde hier: ik kende noch de taal, noch de gebruiken, noch hoe aan voedsel te komen”. Geleidelijk aan sloot hij vriendschap met de plaatselijke bevolking en begon zich te kleden en te eten zoals zij. Hier is nog een bekentenis: “Hier leerde ik wat lichtheid is; ik had het nog nooit eerder ervaren. Mijn geest is bevrijd van zijn oude last”.

Een verliefde man

Gauguin ontmoette Tejura tijdens een van zijn vele reizen rond het eiland. Een gendarme uit Tarawao leende hem zijn paard. De schilder besloot naar de oostkust te gaan, waar Europeanen nog nauwelijks waren geweest. Het was daar dat hij de Tehura voor het eerst zag. Gauguin dacht dat er twee zielen in haar schuilgingen: een klein meisje en haar voorouders. Hij werd verliefd op haar en schilderde haar vaak.

Reiziger

Op negentienjarige leeftijd had Gauguin de wereld rondgereisd. Daar verkende hij het eiland van binnenuit en bereikte het Tamanau Plateau om het centrum van Tahiti, de berg Aorai, te zien.

De schrijver

Als Paul Gauguin iets weg heeft van een literaire held, dan moet worden opgemerkt dat hij het zelf niet kon laten bij te dragen tot de schepping van een mythe over zichzelf. Gedurende zijn hele leven heeft Gauguin zich geopenbaard in correspondentie met zijn vrouw en vrienden: kunstenaars, dichters en critici. Afgezien van hun directe doel, stelden deze brieven Gauguin in staat zijn mening te geven over kunst en de rol van de kunstenaar daarin. Verbaasd over zijn talent voor welsprekendheid noemde Edgar Degas Gauguin “professor”. Brieven schrijven was voor de kunstenaar onder meer een manier om de evolutie van zijn artistieke praktijk vast te leggen.

De lijdende man

Gauguins jeugd in Lima was gelukkig, maar hij moest terug naar Parijs. De stad leek koud en grijs voor de jongen, andere kinderen en leraren begrepen hem niet. Zijn hele leven zocht de kunstenaar naar een plaats van vrijheid, maar hij slaagde er slechts een tijdje in die te vinden. Bij zijn tweede bezoek aan Tahiti voelde Gauguin zich uitgeput, ziek, met een uitgeputte fantasie.

Degene die de schilderkunst heeft bevrijd.

Gauguin wilde een revolutie ontketenen in de schilderkunst. Om meer ruimte te krijgen, meer vrijheid.

Hij was op zoek naar een aanwijzing, een sleutel tot de grote mythische primitieve kunst. Hij probeerde vorm te geven aan oude beelden, gebruik makend van de taal van de moderne mens. Wilde terugbrengen naar onze tijd wat we ooit verloren en misten. En hij heeft dit bereikt. Hij geloofde dat zelfs als zijn werken niet voorbestemd waren om te overleven, het niet uitmaakte: hij zal toch een spoor nalaten van de man die de schilderkunst bevrijdde.

The post Paul Gauguin is zo anders. De facetten van de persoonlijkheid van de man die de schilderkunst bevrijdde appeared first on N-Sy Brandy.

“Op een hoek in New York (1913).

Edward Hopper schilderde zijn eerste aan New York gewijde schilderijen in 1913, drie jaar na zijn lange Europese reis. Als de kunstenaar naar huis terugkeert, ontdekt hij plotseling dat de kunstwereld is veranderd. Geleid door de groep Acht, streeft de kunstenaar naar een waarheidsgetrouwe weergave van de moderniteit. Deze moderniteit weerspiegelt de realiteit van de grote steden en ontleent zijn observaties aan het dagelijkse leven.

Eenvoudige stedelijke onderwerpen, kritiek op de industrialisatie – dit alles wordt hoofdthema’s in het werk van Hopper. Het schilderij “Op de hoek in New York” – een levendig voorbeeld hiervan. Het is een bescheiden bar in het bakstenen huis tegenover de gebouwen en pijpenfabrieken, de schaduw overhangend op de achtergrond. De juxtapositie is bedoeld om de kwetsbaarheid te benadrukken van plaatsen waar mensen elkaar kunnen ontmoeten voor een zielsverwant gesprek in het hart van een uitgestrekte, zielloze stad.

“Queensborough Bridge” (1913).

In hetzelfde jaar schilderde Hopper de Queensborough Bridge, een afbeelding van de beroemde cantileverbrug die Manhattan met Roosevelt Island en Long Island verbindt. Het meesterwerk van de bouwkunde verandert de kunstenaar in een spookachtig monster: het reusachtige bouwwerk doemt dreigend op boven het kleine huis, alsof het het probeert te verpletteren. Het schilderij is geschilderd op een wazige, onscherpe manier die doet denken aan de stijl van de eerste kunstenaar van de Amerikaanse moderniteit, James Whistler.

“New York Restaurant” (1922).

Na verloop van tijd wordt de compositie in Hopper’s werk steeds eenvoudiger. Zijn focus ligt op het huidige moment, understatement, contemplatie. Maar een van de thema’s is nog steeds de hectische drukte van de moderne metropool.

In “Restaurant in New York” is een oproer van kleuren en vormen bedoeld om de levendigheid van het leven weer te geven. Hier verschijnt een weelderige vrouwelijke kont, toegankelijk voor het publiek, een element dat nog meer dan eens wordt aangetroffen in het werk van Hopper.

“The Automaton (1927).

Dit schilderij vormt een scherp contrast met het vorige. Vijf jaar later geschilderd, laat het zien hoe ver Edward Hopper is gekomen in deze tijd. Terwijl ‘Restaurant New York’ fascineert met beweging en kleur, is ‘Automat’ daarentegen opvallend stil. We zien een meisje aan een cafétafel, wier eenzaamheid even grenzeloos is als de nacht buiten het raam. De weerkaatsing van de lampen in het glas vergroot de ruimte van de kamer, waardoor de figuur op de voorgrond nog breekbaarder en verlorener wordt.

“Automatons” werden in die tijd het nieuwe type restaurant van New York genoemd, waar het eten werd geserveerd door automaten. Voor Hopper was het weer een symbool van de mechanisatie van de samenleving. Verstoken van menselijke warmte, wordt het meisje zelf als een zielloze machine die op een automaat werkt.

“Uitzicht vanaf de Williamsburg Brug” (1928).

Het bottom-up perspectief is een van Hopper’s favorieten. Daarentegen was hij een tijd lang verzot op het weergeven van stadsgezichten van bovenaf. Een voorbeeld hiervan is View from the Williamsburg Bridge. Het idee voor het schilderij werd geboren na een reis met de New Yorkse metro. Je ziet maar de helft van het omringende landschap door het raampje van de trein en het is alsof het onderste deel niet bestaat. Het is dit perspectief dat het schilderij wil overbrengen.

“Drogisterij (1927).

Het afgebeelde apotheekgebouw schittert door de verlichting en steekt duidelijk af tegen de omringende werkelijkheid. Maar de naam van een laxeermiddel dat in die tijd populair was, staat op het raam. Op deze manier is Hopper ironisch over het idee van consumptie-waanzin dat de VS en vooral New York trof.

Naar verluidt vond de koper van de aquarelschets voor het schilderij het teken smakeloos en stuurde het terug naar de kunstenaar om de “onhandige” inscriptie te corrigeren. Hopper ging akkoord en veranderde de naam van het laxeermiddel van EX-LAX in ES-LAX in de schets.

The post Dichter van lege ruimtes: New York in de schilderijen van Edward Hopper appeared first on N-Sy Brandy.

Gouden blad

Deze 2,5 cm brede kwast houdt een grote hoeveelheid vloeistof vast. Het is perfect voor het gieten van lucht en water omdat de verf niet te vaak hoeft te worden aangebracht. Het penseel is goed voor stippen en streken bij het schilderen van bomen, struiken en bladeren op de voorgrond. Het hoofd is gemaakt van borstelharen en fijn natuurlijk haar. Wanneer ze nat zijn, buigen de haren en blijven ze gescheiden, wat tot prachtige texturale effecten leidt.

Loof

Een kleinere versie van de Dutchliv, die wordt gebruikt om de weergave van gebladerte en texturen te vereenvoudigen door gewoon met het haar over het oppervlak van het papier te wrijven. Onmisbaar voor het schilderen van bomen, struiken en heggen, alsmede de textuur van gebouwen, paden, muren en wegen.

Tovenaar.

Gemaakt van een mengsel van natuurlijk haar, ongeveer twintig procent van de haren zijn iets langer dan de rest. De verf wordt vastgehouden in de hoofdpluk en vloeit in lange haren, waardoor kleine puntjes ontstaan. Met het penseel kunnen fijne lijntjes worden gemaakt die gras, haar en bont overtuigend kunnen imiteren. Goed voor het overschilderen van reflecties in water.

Fan stippler

Fan stippler. Ideaal voor het schilderen van alle soorten bomen, maar ontworpen om te stippelen in plaats van te deppen. De mix van haar en borstelharen kan worden gebruikt om verschillende textuureffecten te creëren, zoals realistische bladeren.

Fan gogh

Gemaakt van een mix van natuurlijk haar, deze borstel is dikker dan de meeste waaierborstels. Hij houdt meer water vast en als hij nat is, breekt zijn kop niet in afzonderlijke plukjes. Geschikt voor de meeste bomen, inclusief cipressen, sparren, wilgen en palmen; gras en riet; vachttexturen en waterreflecties.

Stippling Penseel (Stippler px)

Stippler px heeft dezelfde haarsamenstelling als Foliages en Dotting Fan penselen, de naam zegt waarvoor het gebruikt wordt. Goed voor het schilderen van gebladerte, textuur in bomen en struiken. De afgeschuinde punt van het handvat van doorzichtig plastic is goed voor het krabben van gras, boomstammen en rotsen.

Zwaardborstel

Dit penseel wordt gebruikt voor het schrijven van letters op schoolborden en het is snel een populair hulpmiddel geworden bij het aquarelleren, omdat het kan worden gebruikt voor het schilderen van gras en riet. Het is ook handig voor het schilderen van bloemen.

Klein detailpenseel

Deze detailpenselen zijn, zoals u gemakkelijk kunt raden, ontworpen voor het schilderen van details. Deze borstels worden meestal ronde borstels genoemd, en drie – klein, middelgroot en groot – zijn naar mijn mening voldoende. Ze zijn perfect voor het verfijnen en overschilderen van individuele details en natuurlijk voor het schilderen van de handtekening op het uiteindelijke schilderij.

Medium detailpenseel

Dit is een werkpaard, dat vaker wordt gebruikt dan andere twee ronde borstels. De punt convergeert naar een scherpe punt, dus perfect voor detailwerk, behalve voor de allerkleinste details.

Groot detailpenseel

Een uiterst veelzijdig instrument. U kunt het gebruiken om uw tekening af te werken en ondanks de scherpe punt houdt het veel verf vast. Ook gebruikt voor het vullen van de lucht.

Ingekorte voering

Korter dan een normale liner zodat hij gemakkelijker te gebruiken is. De nap is synthetisch en houdt zijn vorm goed vast en houdt de punt scherp. Geschikt voor het schilderen van gras, bloemen, en natuurlijk scheepsuitrusting. Houdt genoeg verf vast om één lange ononderbroken lijn te trekken.

Plat 19mm

Bijna helemaal gemaakt van eekhoornhaar met een klein beetje synthetisch. Het eekhoornhaar is uitstekend in staat vocht vast te houden en het synthetische haar geeft elasticiteit en behoudt zijn vorm.

The post Hoe schilderspenselen kiezen: een snelle en nuttige gids appeared first on N-Sy Brandy.

In plaats van selfies

In de loop van verschillende generaties zijn wij zo gewend geraakt aan fotografie en selfies dat het moeilijk is de betekenis van portretten in die tijd te begrijpen. Het was belangrijk voor de onderdanen om te weten hoe hun heerser eruitzag – velen hadden hun koningen zelfs nog nooit in levende lijve gezien.
Keizer Augustus, bijvoorbeeld, investeerde gul in zijn beeldhouwwerken. Ook al waren ze geïdealiseerd en kunnen we niet zeggen in hoeverre de gezichten op het origineel leken, toch had elk beeldje zijn oren naar achteren geklapt.

Bibliotheken uit het verleden

Leonardo da Vinci bezat 116 boeken – nogal wat voor een 16e-eeuwse persoonlijke bibliotheek. Ter vergelijking, Lucrezia Borgia had er vijftien.
Leonardo’s boekenlijst is fascinerend maar eigenaardig, zoals hijzelf: zijn bibliotheek bevatte veel wiskundige en esoterische teksten, en kan dus niet typisch worden genoemd.

Michelangelo verbrandde zijn schetsen

Reeds in zijn tienerjaren begon Michelangelo, zich realiserend dat de dood voor zijn deur stond, haastig zijn schetsen te verbranden. Hij probeerde het bewijs te vernietigen van hoeveel hij moest werken aan elk schilderij of beeldhouwwerk.
Michelangelo wilde bij het nageslacht de indruk wekken dat het werk spontaan was, het resultaat van zijn genialiteit, en niet het resultaat van een nauwgezette voorbereiding.
Het is slechts aan Vasari te danken dat een aantal van zijn schetsen bewaard zijn gebleven: zijn biograaf heeft de kunstenaar er fysiek van weerhouden ze te vernietigen door de stapels tekeningen uit de handen van Michelangelo, die voor de haard stond, te rukken.

Renaissance man

Tijdens de Renaissance was het normaal voor kunstenaars om meerdere rollen te spelen en werken in verschillende genres te creëren.
Tegenwoordig noemen we zulke mensen dilettanten, maar in het verleden was een dergelijke veelzijdigheid in de mode: er werden werken op hoog niveau gemaakt.
Vasari zelf was een schilder, een architect en, natuurlijk, een biograaf. Giotto schilderde en beoefende de architectuur. Andrea del Verrocchio schilderde en maakte beeldhouwwerken. Benvenuto Cellini volgde een opleiding tot juwelier, werkte als beeldhouwer en schreef zijn frivole biografie. En toen de oorlog kwam, diende hij, zoals veel andere kunstenaars, als militair ingenieur.

De zitters

Wanneer fictieve scènes – bijbels, mythologisch, of een postuum portret van een hertog – moesten worden afgebeeld, werden echte zangers ingehuurd. Vaak kwamen dezelfde personen voor op veel van zijn schilderijen, of gedurende een bepaalde periode van zijn carrière.
Bronzino, bijvoorbeeld, gebruikte vaak dezelfde figuur met een expressieve rode baard voor zijn schilderijen van Jezus.
Caravaggio werd geposeerd door een jonge vriend van hem, misschien Checco Boneri. Hij verschijnt op vele schilderijen in verschillende gedaanten: als dienaar, engel, cupido en Johannes de Doper (naakt en met een geit in zijn hand, hoe vreemd dat ook klinkt).

The post Hoe de kunstwereld er voor ons uitzag appeared first on N-Sy Brandy.